Культура России. Изобразительное
искусство. Период: IX-XX
века
Рокотов Ф.С. Портрет
А.П.Струйской
В истории русского
изобразительного искусства четко различаются два периода, границу
между которыми обозначили Петровские реформы. Различие это
чрезвычайно глубоко и касается самих основ художественного
восприятия мира и человека. В Древней Руси
живопись возникла и развивалась в тесной связи с иконопочитанием, в
основе которого лежит учение о Боговоплощении (в христианской
традиции первой иконой был чудесно явленный убрус - прижизненное
изображение лика Христа). Через икону православие утверждает себя
как зримо-явственную истину. Иначе говоря, икона есть богословие,
выраженное не словесно, а образно, "умозрение в красках"
(Е.Трубецкой). Отсюда вытекает присущий только ей своеобразный
художественный стиль. Чисто эстетическое переживание не играет
самостоятельной роли. Цель иконописания - отразить (и вызвать)
молитвенную собранность, умиротворенность в общении с Богом, что
объясняет развитие в иконах особых художественных средств - обратной
перспективы, наличия в пространстве иконы нескольких точек зрения,
иерархической соподчиненности изображаемых объектов и т.д.
Вместе с христианством русские мастера
усвоили византийский художественный стиль и выработанную веками
технику. В дальнейшем в русских княжествах складываются местные
иконописные школы, со своими особенностями письма - новгородская,
псковская, ярославская, тверская и т.д.
Наивысшего расцвета русская средневековая живопись достигла в XIV-XV
вв. в деятельности Феофана Грека и Андрея Рублева.
Вершиной русского иконописания является "Троица"
(1422-1427) А.Рублева, которую мастер создавал как символ
духовного согласия и единения русских людей.
Для икон и фресок московских живописцев XV – XVI вв. характерны
мягкость письма и гармония красок. Их художественные приемы получили
развитие в иконах и фресках Дионисия, привлекающих изяществом
пропорций, праздничностью колорита, уравновешенностью
композиций. С середины XVI в. иконопись
подвергается влиянию западноевропейского изобразительного искусства.
Развитая иконография икон придворной школы использует
западноевропейские сюжетные схемы. Конец XVI – начало XVII веков
ознаменовано развитием "строгановской школы" (которая, несмотря на
название, также состояла в основном из придворных царски мастеров)
отличающейся изысканностью цвета и внимательной проработкой деталей,
тенденцией к некоторой декоративности и "красивости" живописи.
Во второй половине XVII в. появляются иконы
"фряжского письма" - с использованием элементов западноевропейской
живописи: масляных красок, подобия светотеневой моделировки,
большего правдоподобия в изображении людей и природы. Наиболее
известный представитель этого направления - Симон Ушаков (XVII в.).
К этому времени относятся и первые попытки светского портрета - т.н.
парсуны. Пробуждение интереса к иконе, как к
"великому, мировому искусству" (Е.Трубецкой), наблюдается с конца
XIX в. - в связи с расчистками потемневших древних образцов и
обнаружением их подлинного цветового строя. Художественные принципы
иконописи творчески применяли как отдельные русские (В.Васнецов,
М.Нестеров, К.Петров-Водкин) и зарубежные (А.Матисс) художники, так
и целые направления и школы авангарда.
Древнерусская скульптура существовала в виде декоративной резьбы по
камню и дереву и была в большинстве случаев полихромной (т.е., как
западноевроепская скульптура, расписывалась темперой или масляными
красками). Пластическому воплощению подлежали в основном образы
святых, главное внимание уделялось лику, а формы тела укрывались под
одеждами, из-за чего фигуры выглядят плоскими.
В XVIII - нач. XIX в. изобразительное искусство в России, следуя
культурным запросам общества, проходит все главные этапы западного
искусства: барокко, классицизм, романтизм. Ведущую роль играют
приглашаемые в Россию иностранные живописцы и скульпторы, но уже при
императрице Елизавете I появляются высокоодаренные отечественные
мастера. С середины XVIII в. ведущим направлением в живописи
становится академизм, для которого характерны строгость рисунка,
следование в композиции определенным правилам, условность колорита,
использование сюжетов из Библии, античной истории и мифологии.
Однако наивысшим достижением этой эпохи можно считать не
историческую живопись, а портрет (А.Аргунов, А.Антропов, Ф.Рокотов,
Д.Левицкий,
В.Боровиковский,
О.Кипренский). Первым крупным русским мастером скульптурного
портрета стал Ф.Шубин.
Расцвет академической школы приходится на пер.пол. XIX в. Для
полотен К.Брюллова
характерны сплав академического классицизма с романтизмом, новизна
сюжетов, театральная эффектность пластики и освещения, сложность
композиции, блестящая виртуозность кисти. Первым вступив на путь
свободного, самобытного творчества, он пробудил в публике живой
интерес к искусству и поднял общественное значение художника. А.Иванов
придал своей живописи характер жертвенного служения идее и сумел
преодолеть многие шаблоны, свойственные академической технике. В
дальнейшем лучшие традиции академизма нашли развитие в грандиозных
исторических полотнах Г.Семирадского. В
скульптуре традиции классицизма были поколеблены Н.Пименовым, чей
"Парень, играющий в бабки" был оценен А.Пушкиным как рождение
"народной скульптуры", и И.Мартосом
- за счет придания их творениям черт
современности. Своим путем в это время шел
П.Федотов - блестящий дилетант, тонкий наблюдатель и остроумный
сатирик, предвосхитивший дальнейшее направление русской жанровой
живописи. Общественные устремления 1860-1870-х
гг. пробуждают преимущественный интерес художников к темам из
народной жизни. В 1872 г. в противовес Академии художеств создается
Товарищество передвижных художественных выставок (И.Крамской,
Г.Мясоедов, К.Савицкий, И.Прянишников, В.Маковский,
И.Ярошенко, В.Перов
и др.). В их творчестве бытовая живопись приобретает обличительный
характер. Обращение к национальным темам
привело к небывалому расцвету исторической и батальной живописи.
Подлинные шедевры в этих жанрах создали В.Суриков,
И.Репин,
Н.Ге,
В.Васнецов,
В.Верещагин,
Ф.Рубо. Естественность композиции, верность исторической правде
сочетается в их работах с мастерским использованием всего арсенала
художественных средств в трактовке образов и событий. Историческая
тема мощно звучит и в скульптуре
(П.Антокольский). В эти годы открываются
первые национальные художественные галереи; произведения русских
художников начинают регулярно появляться на международных выставках
и в заграничных художественных салонах.
Достигнув творческой самостоятельности, русская живопись с конца XIX
в. двигается в общем русле европейского изобразительного искусства.
Пейзаж вытесняет бытовую живопись. Стремление к передаче воздуха и
света, работа на пленэре, характерные для импрессионизма,
наблюдается и в творчестве Ф.Васильева,
И.Левитана,
В.Поленова, В.Серова, К.Коровина, А.Архипова. Символизм,
неоклассицизм, модерн оказывает заметное влияние на
А.Врубеля, художников из "Мира искусства" (А.Бенуа, Л.Бакст,
Е.Лансере) и "Голубой розы" (С.Судейкин, Н.Крымов, В.Борисов-Мусатов).
В 1910-е гг. зарождается русский авангард - как стремление
перестроить основы искусства вплоть до отрицания самого искусства.
Целый ряд художников и творческих объединений создают новые школы и
направления, которые определяющим образом повлияли на развитие
мирового изобразительного искусства - супрематизм (К.Малевич),
"импровизационный" стиль и абстракционизм (В.Кандинский), лучизм
(Ларионов) и др. Многие художники русского авангарда продолжали свою
деятельность и в Советской России. В 1920-е гг. широкое
распространение получил конструктивизм (В.Татлин), выдвинувший
задачу конструирования материальной среды для создания логичных,
функционально оправданных форм. Одновременно происходит изменение
эстетических и социальных установок авангарда - теперь художники
этого направления демонстрируют обращенность к жизни, стремление к
ее переустройству средствами искусства
(жизнестроительство). Скульптура в эти годы
перестает отождествляться с пластичностью и все чаще направляется на
выявление скульптурности машинных форм. Стирается контраст между
пластичностью и геометризмом, что открывает невиданные прежде
возможности перед промышленным дизайном. С
1930-х гг. растет идеологический нажим на художников авангарда. Все
чаще слышатся обвинения в формализме и потакании эстетическим вкусам
буржуазии. В 1937 г. программная статья в "Правде" причисляет всех
художников этого направления к "пачкунам".
Следование официальной художественной доктрине соцреализма нанесло
большой ущерб творчеству многих художников. Однако в работах
И.Грабаря, П.Корина
,
А.Дейнеки, М.Сарьяна, К.Юона, М.Грекова, А.Герасимова, А.Пластова
удачно сочетается верность традициям реалистической живописи с
достижениями модерна - в основном импрессионистов и
Сезанна С 1960-х гг. наступает возрождение
русского авангарда. Мировое признание получает искусство О.Целкова,
В.Немухина, И.Шелковского, О.Рабина, А.Зверева, М.Шемякина,
Л.Сокова, Э.Неизвестного. Одни из этих художников продолжали или
восстанавливали принципы уже существующих школ и направлений, другие
создавали новые - концептуализм (И.Кабаков) и соцарт (Комар,
Меламид). "Разрешенная", но не официзная
часть советского искусства в 1960-е гг. представлена работами
мастеров "сурового стиля" (Т.Салахов, С. Попков). В 1970-1980-е гг.
получило признание творчество советских художников - Р.Бичунаса,
Р.Тордия, Д.Жилинского, Э.Штейнберга, М.Ромадина, М.Лейса,
В.Калинина и др., убедительно доказавших, что в СССР существовала не
только "пропаганда". Крах коммунизма в СССР
снял искусственные культурные барьеры между Россией и остальным
миром. Ныне российское искусство является желанным гостем
практически в любом уголке земного шара. Это вселяет оптимизм, ибо
культурные обмены - безошибочный барометр, показывающий состояние
атмосферы мирового искусства.